Τέχνη + Σχεδιασμός. Πνεύμα, χιούμορ και WOW

Σε λίγες κρύες βραδιές τον Νοέμβριο στη Νέα Υόρκη, χιλιάδες γνώστες τέχνης, συλλέκτες, ιδιοκτήτες γκαλερί (και το προσωπικό τους), σχεδιαστές εσωτερικών χώρων και άλλοι που απλά αρέσουν σε ένα υπέροχο κοκτέιλ πάρτι και εκπληκτικά αντικείμενα, συναντήθηκαν στο πάρκο Avenue Armory to OMG, OOO και AhAha για πρωτότυπα έργα εξαιρετικής ομορφιάς (και εξαιρετικές τιμές) για να συγκεντρώσετε χρήματα για φιλανθρωπικά ιδρύματα (συμπεριλαμβανομένου του Dia Art Foundation και της Planned Parenthood NYC). Οι Ruinart, Goyard, Lalique και InCollect συμμετείχαν ως χορηγοί.

Πενήντα έξι ιδιοκτήτες γκαλερί από 11 χώρες (συμπεριλαμβανομένων των ΗΠΑ. Ευρώπη, Ηνωμένο Βασίλειο, Γερμανία, Βέλγιο, Γαλλία, Δανία, Ιταλία, Μονακό, Κάτω Χώρες, Νότια Αφρική, Ισπανία και Σουηδία) από 30 διεθνείς γκαλερί - παρουσίασαν μια παγκόσμια προσέγγιση στον μοντερνισμό. Το σαλόνι παρουσίασε (για αγορά και θαυμασμό) ιστορικά, μοντέρνα και σύγχρονα έπιπλα, πρωτότυπα σχέδια και τέχνη του 19ου και 20ου αιώνα.

 Αξία της δημιουργικής οικονομίας

Το 2015 η αξία της καλλιτεχνικής και πολιτιστικής παραγωγής στις ΗΠΑ ήταν 763.6 δισεκατομμύρια δολάρια, που αντιστοιχεί στο 4.2 τοις εκατό του ακαθάριστου εγχώριου προϊόντος. Οι τέχνες συνέβαλαν περισσότερο στην εθνική οικονομία παρά στις κατασκευές, τα ορυχεία, την ασφάλιση, τα καταλύματα και τις βιομηχανίες τροφίμων.

• Οι δημιουργικοί καλλιτέχνες είναι ένα οικονομικό πλεονέκτημα στις ΗΠΑ και το 2015, χάρη στους καλλιτέχνες, οι ΗΠΑ είχαν εμπορικό πλεόνασμα 20 δισεκατομμυρίων δολαρίων σε καλλιτεχνικά και πολιτιστικά προϊόντα (η Αμερική εξήγαγε 63.6 δισεκατομμύρια δολάρια και εισήγαγε 42.6 δισεκατομμύρια δολάρια τέχνης και πολιτισμού).

 

• Οι καταναλωτές της Creative Economy ξοδεύουν πάνω από 102.5 δισεκατομμύρια δολάρια για τις τέχνες, συμπεριλαμβανομένων αγαθών και υπηρεσιών, εισιτηρίων εισιτηρίων, φαγητού, διαμονής και δώρων (2017).

 

• Ο τομέας των τεχνών και του πολιτισμού παρέχει μεγάλο αριθμό θέσεων εργασίας (4.9 εκατομμύρια το 2015), αντιπροσωπεύοντας το 3% όλων των θέσεων εργασίας στις ΗΠΑ, οι οποίες, συνολικά, πλήρωσαν 372 δισεκατομμύρια δολάρια στους εργαζόμενους.

Τα κράτη ευημερούν από την τέχνη

Μεταξύ των πολιτειών, οι τέχνες αντιπροσωπεύουν το μεγαλύτερο μερίδιο της οικονομίας της Ουάσιγκτον, 7.9 τοις εκατό ή 35.6 δισεκατομμύρια δολάρια. Στηριζόμενος στη βιομηχανία ταινιών και τηλεόρασης, η οικονομία της Καλιφόρνιας προσφέρει τα περισσότερα χρήματα μεταξύ των κρατών, με 174.6 δισεκατομμύρια δολάρια (7 τοις εκατό)

Η Νέα Υόρκη κατέχει τη δεύτερη θέση και στις δύο κατηγορίες, με τις τέχνες να αποφέρουν 114.1 δισεκατομμύρια δολάρια (7.8%) στην οικονομία. Οι 462,584 εργάτες τέχνης του κράτους κέρδισαν συλλογικά 46.7 δισεκατομμύρια δολάρια (2015).

Το Ντελαγουέρ βασίζεται λιγότερο στις τέχνες, που αποτελούν μόνο το 1.3 τοις εκατό της οικονομίας του κράτους, ή 900 εκατομμύρια δολάρια.

Η εκδήλωση: Το σαλόνι καλλιτεχνικής παράστασης +

Δεδομένου ότι πολλοί καλλιτέχνες παρουσιάζουν τα νεότερα έργα τους σε αυτήν την εκδήλωση, εμφανίζεται στην κορυφή της λίστας “to do” της παγκόσμιας τέχνης. Θα ήθελα να αποκτήσω σχεδόν κάθε κομμάτι που προβλήθηκε, αλλά ο χρόνος, ο χώρος και οι περιορισμένοι πόροι απαγορεύουν αυτήν τη δραστηριότητα. Ωστόσο, μπορώ να προτείνω «μερικά από τα αγαπημένα μου πράγματα».

Επιλεγμένη επιλογή

1. Molly Hatch. Todd Merrill & Associates Studio. Νέα Υόρκη

Η Molly Hatch φέρνει το WOW στη σύγχρονη τέχνη. Έχει μεταμορφώσει αυτό που ήταν κλισέ (κρεμασμένα στον τοίχο ζωγραφισμένα πιάτα που ήταν δημοφιλή τη δεκαετία του 1940) και μετέτρεψε την ιδέα σε συλλεκτικά έργα τέχνης που ταιριάζουν στον χιλιετή τρόπο ζωής (κινητό, απρόσβλητο και μεταβλητό).

Τα κρεμαστά πιάτα ήταν ένας παραδοσιακός τρόπος εμφάνισης διακοσμητικών σκευών για δείπνο και ήταν μέρος πολλών πολιτισμών από την Ευρώπη έως την Ασία. Πριν από αιώνες, οι περίτεχνες εμφανίσεις πιάτων σε ένα σπίτι ήταν ένα σημάδι πλούτου και υψηλής κοινωνικής κατάστασης.

Σήμερα, η Hatch σχεδιάζει τις πλάκες της για να κρεμαστούν στους τοίχους, ώστε να μπορούν να παρατηρηθούν και να θαυμάσουν. Η υπερμεγέθη και χρωματική γεύση ενθαρρύνει τους θεατές να επανεξετάσουν τι είναι νέο και τι είναι τώρα. αυτό που ήταν συνηθισμένο είναι τώρα εξαιρετικό.

Η Hatch γεννήθηκε το 1978. Η μητέρα της ήταν ζωγράφος και ο πατέρας της, ένας βιολογικός γαλακτοπαραγωγός. Σπούδασε σχέδιο και κεραμικά, αποκτώντας το BFA της από τη Σχολή Μουσείων της Βοστώνης, ΜΑ. Μετά το κολέγιο, εργάστηκε με την αγγειοπλάστη Miranda Thomas στο Βερμόντ και οι κεραμικές κατοικίες συνεχίστηκαν στις ΗΠΑ και τις Δυτικές Ινδίες. Το MFA της στην κεραμική είναι από το Πανεπιστήμιο του Κολοράντο, Boulder. Το 2009 της απονεμήθηκε η τέχνη / Βιομηχανική κατοικία στην Κεραμική στο John Michael Kohler Arts Center στο Ουισκόνσιν.

Η Hatch εργάζεται επί του παρόντος από το σπίτι της στο Northampton, MA. Εκτός από τα κεραμικά, είναι συγγραφέας, καλλιτέχνης-σχεδιαστής και δημιουργεί σχέδια υφασμάτων, έπιπλα, κοσμήματα, εκτυπώσεις, στυλό και σχέδια μελανιού και πίνακες ζωγραφικής. Είναι εμπνευσμένη από ιστορικές τάσεις στο ύφασμα, τη γραμματοσειρά, τα κεραμικά και τα έπιπλα, αναγνωρίζοντας έναν σύγχρονο τρόπο ζωής που περιλαμβάνει νεύματα στο χιπ χοπ, στίχους indie τραγουδιών, μηνύματα κειμένου και συλλογές συλλογών.

2. Hubert Le Gall. Γκαλερί είκοσι πρώτου αιώνα

 

Ο Γάλλος σχεδιαστής Hubert Le Gall γεννήθηκε στη Λυών το 1961. Ήταν διευθυντής στο κολέγιο και μετά την αποφοίτησή του, μετακόμισε στο Παρίσι (1983). Το 1988 άρχισε να ζωγραφίζει και να σμιλεύει, σχεδιάζοντας έπιπλα που ήταν οριακά κλειδιά, συνδέοντας την ποιητική και τη φαντασία με τη λειτουργική.

Εμπνέεται από αυτό που είναι σουρεαλιστικό, αλλά με ψίθυρους (και κραυγές) σε ελληνικούς και ρωμαϊκούς πολιτισμούς, γαλλικές περιόδους 18ου αιώνα, αυτοκρατορία, αρτ νουβό και αρτ ντεκό. Έχει επίσης εμπνευστεί από τον Σαλβαδόρ Ντάλι, τον Jean Cocteau, τους σουρεαλιστές και τον Max Ernst.

Το έργο του κέρδισε διεθνή χειροκροτήματα το 1995 όταν ανακαλύφθηκε και προωθήθηκε από την ιδιοκτήτρια της γκαλερί Elisabeth Delacarte. Η πρώτη του έκθεση ήταν στο Παρισινό Galerie Avant-Scene και τα έργα που παρουσιάστηκαν (συμπεριλαμβανομένων τραπεζιών μαργαρίτας και κομοδίνας λουλουδιών), έχουν γίνει πολύτιμα ως κομμάτια του.

3. Πλούσιο Μνίσι. Νότια Αφρική

 

Ο Νοτιοαφρικανός γεννημένος Rich Mnisi ξεκίνησε την επιχείρησή του το 2014. Διακρίνεται ως ηγέτης στην Επιστήμη της Μόδας και αναγνωρίζεται ως ο Αφρικανικός Μόδα International Young Designer της Χρονιάς (2014).

Το σαγηνευτικό δερμάτινο μονίπλωμα του Mnisi έχει τη μορφή του Nwa-Mulamula (The Guardian) που αντιπροσωπεύει την παρουσία της γιαγιάς του. Είναι η ύπαρξή της και οι διδασκαλίες της που διαρκούν για πάντα μέσω της αφήγησης, από γενιά σε γενιά. Το σκαμνί, σε σχήμα ματιού με χρυσές λακκούβες, »… αντιπροσωπεύει τα δάκρυά της, τα οποία δεν ήταν ποτέ μάταια. Χωρίς τον πόνο και τις εμπειρίες της, δεν θα υπήρχα. Δεν θα μπορούσα να είμαι το άτομο που είμαι σήμερα »(Rich Mnisi).

Οι αισθησιακές μορφές είναι διαχρονικές και η ουσία τους είναι μοναδικά αφρικανική, ενώ είναι παγκοσμίως συναρπαστική.

4. Ρέναλντο Σαγκουίνο. Future Perfect Gallery. Νέα Υόρκη.

 

Ο Reinaldo Sanguino γεννήθηκε στη Βενεζουέλα και εργάζεται στη Νέα Υόρκη. Τα έργα τέχνης και κεραμικά του αποτίουν φόρο τιμής στη ζωντάνια του περιβάλλοντός του και κάθε μοναδικό κομμάτι χρησιμοποιεί το μέσο του πηλού ως δομή και καμβά.

Ο Sanguino αποφοίτησε από τη Σχολή Εικαστικών Τεχνών Cristobal Rojas στο Καράκας της Βενεζουέλας. Ανέπτυξε την τεχνική του με βάση το ενδιαφέρον του για την πορσελάνη Meissen και τη σημασία του στην ευρωπαϊκή ιστορία. Εμπνέεται και επηρεάζεται από τη ζωγραφική σε στιλ γκράφιτι και το έργο του προσελκύει την προσοχή λόγω των ζωντανών χρωμάτων, των υφών και των ελαστικών υλικών.

Το 2007 ήταν υποψήφιος για το Louis Comfort Tiffany Biennial Award και ένας από τους καλλιτέχνες που συμμετείχαν στο El Museo Del Barrio 5η έκδοση 2007-2008 Μπιενάλε, "the (S) Files" στη Νέα Υόρκη.

Τα έργα του Sanguino έχουν προβληθεί στην Πινακοθήκη Sultan, ως μέρος του Dean Project στη Νέα Υόρκη. το Μουσείο Τεχνών & Σχεδιασμού, Νέα Υόρκη το Μουσείο Καλών Τεχνών, Χιούστον, Τέξας · το Μουσείο ΜΙΝΤ στο Σαρλότ της Βόρειας Καρολίνας και το Ινστιτούτο Τεχνών της Μινεάπολης, Μινεάπολη, Μινεσότα. Έκανε το Design Miami / ντεμπούτο του με το The Future Perfect (2017).

5. Pamela Sabroso & Alison Siegel. Γκαλερί Heller. Νέα Υόρκη

Η Pamela Sabroso έλαβε το BFA της στη βιοτεχνία και τις μελέτες υλικών από το Πανεπιστήμιο της Κοινοπολιτείας της Βιρτζίνια (2007) και η Alison Siegel απονεμήθηκε το BA της στις Καλές Τέχνες από το Πανεπιστήμιο Alfred (2009). Σήμερα ζουν και εργάζονται στο Μπρούκλιν της Νέας Υόρκης.

Άρχισαν να εργάζονται μαζί το 2014, διαπιστώνοντας ότι οι ιδέες τους αναδύονται και συγχωνεύονται μέσω σχεδίων, συζητήσεων και της φυσικότητας της συνεργασίας μεταξύ τους. Από κοινού είναι περιπετειώδεις και φέρνουν μια νέα φρέσκια και μοναδική ποιότητα σε κάθε αντικείμενο που δημιουργούν. Τα τελικά έργα είναι διασκεδαστικά, έξυπνα, κινούμενα σχέδια, αντισυμβατικά και ελκυστικά. Σίγουρα δουλεύοντας τον 21ο αιώνα, μοιράζονται μια δημιουργική ελευθερία που έχει τις ρίζες της στην αρχή του American Studio Glass.

Οι εντατικές εργασίες ξεκινούν από την κατασκευή εξαρτημάτων και καλουπιών κεριού για την εμφύσηση γυαλιού και εκτείνεται μέχρι την εμφύσηση γυαλιού. Η Sabroso, συζητώντας τη δουλειά της με τη Siegel, «… για να είσαι δημιουργικός πρέπει να αφήσεις τον εαυτό σου να είναι ευάλωτος. Όταν είστε ειλικρινείς για το ποιοι είστε, αποκαλύπτετε μια μοναδική και περίεργη προοπτική. Οι συνδυασμένες δημιουργίες μας είναι Stranger Together. "

6. Φρανκ Λόιντ Ράιτ. Καλές Τέχνες Bernard Goldberg. Νέα Υόρκη

Ο Ράιτ γεννήθηκε στο Ρίτσλαντ, Ουισκόνσιν (1867). Κατά τη διάρκεια της 70χρονης καριέρας του ως αρχιτέκτονας, ο Ράιτ δημιούργησε πάνω από 1100 σχέδια. Παρόλο που εισήλθε στο Πανεπιστήμιο του Ουισκόνσιν (1885) και σπούδασε πολιτικά μηχανικά, σύντομα έγινε δυσαρεστημένος με αυτόν τον τομέα. Όταν εργάστηκε για τον Joseph Silsbee για την κατασκευή του Unity Chapel, συνειδητοποίησε το πάθος του για την αρχιτεκτονική, οπότε μετακόμισε στο Σικάγο και μαθητευόταν με την αρχιτεκτονική εταιρεία Adler και Sullivan, συνεργαζόμενος απευθείας με τον Louis Sullivan (1893).

Στη συνέχεια μετακόμισε στο Oak Park του Ιλλινόις και άρχισε να εργάζεται από το στούντιο του σπιτιού του όπου ανέπτυξε ένα σύστημα σχεδιασμού που αναπτύχθηκε από μονάδες πλέγματος με έμφαση στα φυσικά υλικά που έγιναν γνωστά ως το Prairie School of Architecture.

Κατά τη διάρκεια της δεκαετίας του 1920 - 1930 πέρασε το χρόνο του διδάσκοντας και γράφοντας. Το 1935 άρχισε να εργάζεται στο Fallingwater, τον πιο διάσημο οικιστικό σχεδιασμό του. Στη δεκαετία του 1940 - 1950 επικεντρώθηκε σε σχέδια της Οζονίας που αντικατοπτρίζουν την πίστη του στη δημοκρατική αρχιτεκτονική, προσφέροντας οικιακές επιλογές μεσαίας τάξης.

Το 1943 σχεδίασε το Μουσείο Solomon R. Guggenheim στη Νέα Υόρκη. Το μουσείο άνοιξε το 1959, έξι μήνες μετά το θάνατό του και θεωρείται ως το σημαντικότερο έργο του.

Η Πινακοθήκη Καλών Τεχνών Bernard Goldberg στη Νέα Υόρκη ξεκίνησε το 1998 από δικηγόρο της Νέας Υόρκης. Σήμερα η γκαλερί ειδικεύεται στην αμερικανική τέχνη (1900-1950), όπως πίνακες Ashcan, Modernist, Urban Realist, Social Realist και Regionalist, γλυπτά και έργα σε χαρτί.

Οι Χόι Πολλοί Παρακολουθούν την Εκδήλωση

 

Αναζητήστε το σαλόνι τον Νοέμβριο του 2019. Κάντε τις κρατήσεις σας νωρίς… αυτό είναι ένα αστρικό γεγονός για όσους θεωρούν συναρπαστικούς τους κόσμους της τέχνης και του σχεδιασμού.

© Δρ Elinor Garely. Αυτό το άρθρο περί πνευματικών δικαιωμάτων, συμπεριλαμβανομένων φωτογραφιών, δεν μπορεί να αναπαραχθεί χωρίς γραπτή άδεια από τον συντάκτη.